△《The Plaza》Artist: Richard Estes, 36 x 66", oil on canvas, 1991. 1980 年我第一次初到紐約，正逢超寫實主義（Hyperrealism）繪畫如火如荼、鑼鼓喧天之際，紐約畫壇正呈現出一片野火燎原、一發不可收拾的態勢。 探望過幾位台灣畫家在紐約奮鬥的情況，心裡難免為之一震，確實艱辛、難熬，卻又讓人肅然起敬。紐約是當代藝術中心 —— 一處為他們自己架構繪畫生涯的起點，磨其心志，也是讓台灣藝術家印證創作實力的終點驛站。 近代藝術史上任何流派或主義萌芽產生的參與人數較少，但超寫實主義卻是群雄競起、蓬勃爭輝，屈指一算，參與的藝術家就有幾十位。也因此，這個欄題的行進速度快不來，藉諸介紹過程，讓我們可以細心去品味、感受 —— 他們曾經付出過的心血與漫長歲月。都是他/她們的青春，一個人能有多長的旺盛創作期？ 事隔三十幾年了，少數幾位藝術家裊然已經作古，但今天，大多數仍然堅守著他們的執着與夢想，埋首耕耘，正日以繼夜賣力地從事創作，謹以此欄向他們致上最高、最崇敬的敬意。

司徒強（Szeto Keung, 1948-2011）生於廣東，兩歲時隨家人赴居香港，成長於香港，1969 - 1973年入台灣師範大學美術系修讀，1979年取得普拉特藝術與設計學院美術碩士，從此定居紐約。曾分別於1989年與1996年擔任過國立台灣藝術院及香港中文大學的駐校藝術家。 司徒強初中時期在香港開始學習嶺南派水墨畫，這是他的淵源也是血脈，影響他後來的創作表現甚鉅。縱使使用壓克力顏料與麻質畫布，骨子裡流淌的依舊是中國古典文學裡的情境與隱喻世界。 在師大美術系就讀期間與同學卓有瑞相戀終成連理，同赴紐約闖蕩天下。即使1997年以離異收場，就情理上而言，司徒強畢竟還是台灣的一個「半子」。遺憾的是2011年9月因心臟病發而與世長辭，年僅63歲。 【作品主題與風格】 司徒強繪畫技巧的表達能力頗強，可以把物質的質感肌理描繪得極其精細而準確，這種手法再搭配上畫作背景裡如嶺南派潑墨似的蒼穹天體，營造出一種深邃、枯殘、凋零的滄茫情境。 司徒強初抵紐約之時，正逢超寫實畫風如火燎原之際，他選擇了局部的超寫實表現技法，再融合了象徵主義、普普和抽象表現主義的渲染，開創出富饒東方老莊思想的玄妙靜觀世界。 其實司徒強的心靈何其孤寂，寥落之感之殤時時縈繞，他曾書寫道：「死亡是任何有情生命的必然輪迴，繁花殞落，繽紛又淒哀，臨終繾綣回首，以豔無盡悲哀，尤有熾烈執著的熱情。」 △《Left + Right》Artist: 司徒強, 195.6 x 320.2 cm, acrylic on Linen, 1988-89.

△ (L.)《Fire》Artist: 司徒強, 72.75 x 48.9", acrylic & mixed media on Linen, 2006. △ (M.)《永遠》Artist: 司徒強, 66 x 46cm, acrylic on Linen, 1984. △ (R.) 香港畫家司徒強，畫風穩健玄異，曾在台灣「誠品畫廊」開過幾次個展。

△《紐約現代美術館》Artist: 司徒強, 122×183cm, acrylic on Linen, 1980.

△ (L.)《Title unknown》Artist: 司徒強, acrylic on Linen. △ (R.)《Black Hole》Artist: 司徒強, 32.5 x 37.5", acrylic & mixed media on Linen, 2005.

△《ILLUSION》Artist: 司徒強, 122×183cm, acrylic on Linen, 1978. △《安魂曲六》Artist: 司徒強, acrylic on Linen.（此圖檔取自：畫家村網站）

△《黑羽》Artist: 司徒強, 52 x 70cm, acrylic on Linen, 1988.

△《The Search for a People‘s Art》Artist: 司徒強, 20 x 43.5", acrylic on Linen, 1995.

埃里克．建納 (Eric Zener, 1966-) 是美國有名的超寫實人物畫家，出生在俄勒岡州的 Astoria，自 2004 年起就定居在舊金山北邊14英哩外的 Mill Valley。 父親是心理學者，母親則是舊金山交響樂團的小提琴家。建納本身獲得加州大學聖巴巴拉分校的心理學學士學位。 家裡有三個小孩，妻子 Julie 是工作夥伴，也是經常出現在畫作裡的模特兒，一家和樂融融。Mill Valley 是一處氣候怡人、風光明媚的北加州小城鎮。 建納是個自學成器的畫家，畫作產量十分驚人，光是 2004 一年，居然畫出 600 件大大小小的作品，匪夷所思、讓人簡直不可置信。他的畫作被送往美國各個城市的畫廊裡。 【作品主題與風格】 2003年起，Eric Zener 對於「水」和游泳客的題材極感興趣，於是進行系列性的創作。海灘、泳池畔，都是他創作的主題場景，而最主要的描繪空間就是「水」底，是一個波光粼粼、變化莫測的光與影的美幻世界。 水中的空氣浮泡、逆光的黑色背景、順光的湛藍水色，無不洋溢著歡愉的氛圍，是悅耳的聲音、美麗的舞姿和愉悅的節奏，題材相當討喜。但，精緻度以及藝術性的質感似乎稍稍弱了些，幾近 Commercial Art 的層次。 △《Gliding》Artist: Eric Zener, 36x70", oil on canvas, 2007.

△ (L.)《Hot》Artist: Eric Zener, 48 x 60", oil on canvas, 2007. △ (R.) 畫家 Eric Zener 在個展為讀者簽書，年紀不大，前景看好。

△ (L.)《A New Direction》Artist: Eric Zener, 72 x 84", oil on canvas, 2011. △ (R.)《Candy》Artist: Eric Zener, 66 x 54", oil on canvas, 2011.

△ (L.)《Reflections》Artist: Eric Zener, 48 x 38", oil on canvas, 2012. △ (R.)《Peintures》Artist: Eric Zener, 48 x 60", oil on canvas, 2011.

△《Floating》Artist: Eric Zener, 50 x 60, oil on canvas, 2010.

△ (L.)《Yearning for More》Artist: Eric Zener, 54 x 60, oil on canvas, 2013. △ (R.)《Lotus》Artist: Eric Zener, 48 x 38", oil on canvas, 2012.

△ (L.)《Opes》Artist: Eric Zener, 48 x 38, oil on canvas, 2011. △ (R.)《Blue Air》Artist: Eric Zener, 50 x 60, oil on canvas, 2010.

△《Morning Landscape》Artist: Eric Zener, 30 x 40, oil on canvas, 2010. △《Patient Struggle》Artist: Eric Zener, 72 x 84", oil on canvas, 2010.

△《In Between》Artist: Eric Zener, 24 x 36", oil on canvas, 2010.

△《Madison Square》Artist: Richard Estes, 42 x 78", oil on canvas, 1994. 有關超寫實主義繪畫與雕塑的介紹，至此告一段落，感謝你/妳撥冗仔細參與。欄題龐大，本就不易整理書寫，如屨薄冰，深怕要有遺珠之憾，還望請鄉親們海涵甚或補正，則必更顯完美而圓滿。 之所以介紹這支看似與台灣無關的主流畫派，用意無非是：看看別人如何塑造自己的文化面相？他山之石，或可借鏡。尤其台灣的人文並不單薄，有賴大家用心血去努力，用汗水去灌溉。 想想吧！台灣畫家不也參與了超寫實主義的奮鬥與拓展？不僅成就非凡，更讓國人欣慰的是，亞洲地區僅只台灣畫家表現得最亮麗、最搶眼！你我，務必要衷心感謝他/她們！ ( End of the Column )

當然，這都是我個人主觀的看法，不存在「絕對」的立場或有什麼特殊的觀點。之所以要提出這些淺見，僅供大家作一點參考而已。 舉凡藝術的任何表現形式，創作者一般都是以「主觀」為之，越是主觀越能突顯個人的風格面貌；至於觀賞者的角度，「客觀」以對，實乃必需，但「客觀」與否或者「客觀」至哪個程度？確也不易達成就是。 過去的藝術型態（尤指繪畫與雕塑），大多服務於宗教與政治，難能擺脫服務的範疇。1870 年印象派竄起之後，隨著畫架的移出戶外，轉而脫離歌功頌德的說教職責。藝術才真正獨立於被豢養、被任意差使，創作者的理念於焉被喚醒、自主抒發，也成就了往後一個半世紀個人意識抬頭的寬敞之路。 自此，藝術所面對的，是個何去何從的抉擇，於是乎各種表現型態相繼出籠，確真五花八門、目不暇給。不過，再怎麼個兌變，終究還是離開不了藝術創作的基本元素：「造形」與「色彩」。 「造形」與「色彩」，一路發展下去，那才愈加熱鬧哩，啥畫派啥主義的理論與創作永遠層出不窮。最後，還是得歸宗於所謂「純藝術．Fine Art」，不為政教謳歌、不引經據典講故事，讓繪畫回歸於她該有的原始機能：追求「造形」的可能性，讓「色彩」訴說創作者潛在的理念。「純藝術」的概念愈強，不僅各類型表現的「可能性」益加廣泛，相對的，大家欣賞起抽象藝術作品，不僅不再艱澀難懂，甚或變成輕鬆而易於分辨良莠。是方法，創作與鑑賞的方法，是藝術發展的趨勢、自然的走向。 　 △ (L.)《Composition with Yellow, Blue, and Red》, Artist: Piet Mondrian, 72.5 x 69 cm, oil on canvas, 1937–42, Tate Gallery, London. 荷蘭新造型主義畫家蒙德里安（Piet Cornelies Mondrian, 1872－1944），用簡潔的線條與色彩，營造出個人風格極其簡約的創作，是理性 包浩斯（Bauhaus）的經典。 △ (R.)《Improvisation 27 (Garden of Love II)》, Artist: Wassily Kandinsky, 47 3/8 x 55 1/4 in. (120.3 x 140.3 cm), oil on canvas, 1912, The Metropolitan Museum of Art, New York. 俄羅斯表現主義畫家康丁斯基（Wassily Kandinsky, 1866－1944），抽象的形式、謎樣的色彩，具足音樂性之外，何嘗不是感性表現的典型代表？ 繪畫除了復原為基本元素，追求「純藝術」的可能性之外，難道不該「言志」？述說創作者的旨意想法。於是，各類型的創作方向相繼出籠，是藝術領域裡令人著迷之處，也是藝術家們不斷投入心血的泉源與動力。剎那與永恆，意念與灼見，一筆一畫都是創作者牆腳下的基石。 過去美術史上，叫得出名字的畫作通常以「幅」或「件」去作計算，一幅一作，一件一作，珍貴得很，後人再從單件作品去作延伸演繹，解釋她們的背景和來朧去脈，這是一般藝術史學者常用的方式，無可厚非，也是他們的責任。但，如果穿鑿附會，加上一些與畫作無關的趣聞軼事，除強化單件作品的可閱性及正當性外，其實這些作法，對於作品創作質感的衡量，毫無任何助益。 　 △ (L.)《The Statue of David》, completed by Michelangelo in 1504, is one of the most renowned works of the Renaissance. 大衛像是文藝復興時期三傑之一的米開朗基羅 （Michelangelo, 1475－1564）於 1504 年完成的大理石雕塑，高5.5公尺，原作收藏於義大利佛羅倫斯學院藝廊。這種作品，當然以「件」作計算，實乃稀世之寶。 △ (R.)《The Gleaners》, Artist: Jean-François Millet, 32.9 × 43.3 in., oil on canvas, 1857, Mus 法國巴比松派田園畫家米勒 (Jean-François Millet, 1814–1875) 的作品《拾穗．The Gleaners》，享譽了一個半世紀，這類作品當然都是以「件」作計算，十九世紀歐洲田園氛圍描繪之精緻程度，無能取代。 今天我們要了解一位藝術家的成就，單從一件作品其實難以窺其全貌，往往需要觀察系列性的創 所謂「言志」，就是藝術家藉諸媒介形式，進行表達他/她們潛在的意念與想法。如同文學一樣，文字和畫作都是形式，僅僅是敘述的語言工具，內容才是作者的心聲與意圖。 「言志」？共產國家的宣傳畫才最「言志」了，可惜服膺於政治、服務於黨意，哪存得了個人的意識？傳聲筒，棄之，絕對猶恐不及。這裡談的「言志」，係指藝術家個人的主張與解釋方式，以畫作抒發其創作企圖，進行系列性的「發言」。批判也好，諫言也罷，縱或僅屬個人情緒的渲泄，不過，經常還不乏予以世人一記醒鐘哩！ 基於這種角度，於是我們可以把「超寫實主義繪畫與雕塑」作些整理與比較，看看哪些藝術家走什麼樣的路線？哪些藝術家將來又能經得起時間的考驗與焠煉？ 大致上，我將「超寫實主義繪畫與雕塑」分成兩大類型： ●『即物型』 　 △ (L.)《Dazzling Dozen》Artist: Charles Bell, 46 x 66.25 in, oil on canvas, 1994. 查爾斯．貝爾（Charles Bell, 1935 - 1995）的畫作《Dazzling Dozen》，應該屬於『即物型』的典型代表，物性極強，超寫實主義的主張執行得極為澈底。 △ (R.)《Supersandwich!!》Artist: Tjalf Sparnaay, 80 x 130 cm, oil on linen, 2013. 荷蘭畫家 Tjalf Sparnaay (1954－) 的作品《Supersandwich!!》，同樣將超寫實的精神發揮得淋漓盡致，就是攝影技術也許還無法臻達如此的精緻細膩。 既然超寫實主義強調要超越攝影技術的侷限，突破透視變形、景深的問題，致使有些畫家完全着眼於『物』的精細描繪。同時也造成停滯於『物相』表象的表達，呈現出極端的『物資物質．Material, Substance』肌理的刻畫。 論「色彩」，非常準確，也無任何個人的主觀意識；論「造形」，坦白說，沒有太大的創意或突破。以「純藝術」而言，恐怕跨越不了時間的考驗。或者僅止於「超寫實主義」的主張與訴求，太過客觀，也要降低共鳴度的說服力。用白話說，畫得很像很逼真，那又如何？突顯高超的繪畫技法外，能告訴我們些什麼？ ●『透物型』 　 △ (L.)《Forbidden Fruits》Artist: István Sándorfi, , oil on c △ (R.)《Jilda with Goldfish Bowl》Artist: Jerry Ott, acrylic on panel. 所謂『透物型』就是產生延伸，作品不僅符合「超寫實主義」的主張鵠的，更摻和了藝術家個人的主觀意識，不讓作品僅僅停留於表相的敘述描寫，透過形式，讓作品為其發言，達到所謂「言志」的標的企圖。 這裡的「言志」，有別於過去服務於宗教或政治的信仰傳播，是屬於藝術家主觀的信念語彙。其可貴處不言可喻，於是，諸多精采而令人驚心動魄的作品出爐了，超越攝影的基礎功能，加上藝術家敏感的觀察力與想像力，傑作之產生、如泉水般不斷湧現，必然可期。

288個人的偏好，從 400 多件作品裡，我挑出了底下幾件比較喜歡的作品，讓我們瞧瞧她們的作為與美姿儀態，好？好在哪裡？ △《Telephone Booths》Artist: Richard Estes, 48 x 69 in, oil on masonite, 1968. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, Spain. 美國畫家埃斯蒂斯 (Richard Estes, 1932–) 一向以描繪紐約街景見長而聞名於畫壇，翔實而精確的筆觸，綿密敏銳的思維，再再道盡美國資本主義以及人類文明發展的結果。街景人人能畫，再逼真再傳神、錯綜複雜的都會景象，難不倒這些藝技高強的繪畫能手。唯獨，畫作裡誰能提出對現代文明最直接的批判與諫言？ 埃斯蒂斯的這幅作品《公共電話亭 / Telephone Booths》，論造形，封閉沈穩，一針見血地把現代人文的景況趨勢，表現得相當澈底而涓滴不遺；論色彩以及繪畫技法，爐火純青之外，不銹鋼反光的質地肌理更強化了「當代 Contemporary」的時代意義。

△《USA Today》Artist: Denis Peterson, acrylics on panel, 12"x12", 2009. 《今日美國．USA Today》是畫家彼得森 (Denis Peterson) 的畫作標題，一語雙關隱喻了今天美國的現狀。人道主義原本就是彼得森創作的主軸，一向惻隱著街頭的弱勢族群。而種族歧視消失了嗎？就業機會的失衡、膚色的自然隔離，畢竟仍舊隱約存在。 報攤報架旁的人物，往往是街道邊的非裔族群，疲憊打盹，或者草率囫圇進餐，都是我們熟悉不過的街景實況。用藝術創作代言弱勢族群的生活面貌，紀錄他們社會邊緣的窘境與無奈，不僅反映出資源分配的偏頗問題，更讓人質疑何謂「人」該有的尊嚴與生命的真義。 關懷底層弱勢的表現方式，未必非以繪畫作為媒介不可，過去的文字或攝影作品比比皆是。但以超大畫幅（12 英呎見方）去做詮釋的精準描繪，其震懾力道之強烈，怎不撼動人心？

△《Traveller》Artist: Duane Hanson, Life-size, autobody filler, fibreglass and mixed media with accessories, 1988. 美國雕塑家杜安．漢森 (Duane Hanson, 1925–1996) 的作品《旅行者．Traveller》，透露出人類對於時空的無奈。過去「遷徙」受制於交通工具的條件，汽車輪船仍舊滿足不了人類的需求，空中飛行器於焉產生，但，真能隨心所欲、賓至如歸嗎？「賓至如歸」是航空公司促銷的廣告用語，難能當真。 尤其是美國的航空公司，嚴重誤點或取消航班的狀況時有所聞、幾乎天天上演，而這種漫長延誤的沮喪，非一般旅行者的體力所能負荷，倒頭而臥、席地打盹，都是美國航空站特殊的景象。無論精神或者是肉體，那份侷限的挫折感，正如同生命中難以跨越的層層障礙。 漢森這件雕塑作品主人翁的體態其實是何等醜陋無比，也正因為醜陋，才能流露出尋常百姓常態的卑微，「筋疲力盡」是普遍生活的感受，正是所謂現代文明的「真」。

△《The Golden Age》Artist: Gottfried Helnwein, 180 x 180 cm, digital pigment print on vinyl, 2003. 愛爾蘭畫家加特佛列德．郝文（Gottfried Helnwein, 1948 -）的創作風格十分耀眼突出，細膩的手法、敘述的能力，在超寫實畫家群裡顯得相當傑出。可貴的是，他不停留於外相的描述，用繪畫表達他深沉的意念及關懷，為兒童該擁有的健康成長空間，向負有權力的成人們提出他強烈的訥喊與乞求。 繪畫止息於純藝術的範疇是有其必要性，獨立自主，不受政治與宗教的箝制；可是，當兌變成為創作者的一支悍筆，何嘗不是成為喚醒社會良知的一把利刃？郝文的作品《The Golden Age》，正架起一個教人省思的視野框架。繪畫的形式之外，寧靜地，給予世人一份強力的、無聲的控訴。

△《Hommage a Népharen》Artist: István Sándorfi, 160 x 150 cm, oil on canvas, 1993. 匈牙利裔法國畫家 István Sándorfi (1948 - 2007) 藉超寫實主義的外殼，進行其一系列抒發個人旨意的創作，精采萬分，佳作連連。不僅技法超然成熟，作品主題的吸引力更拉高了夢幻美感的層次。 雖然結構上鄰近於故事插畫的臨界線，但，其語言能力、表現手法，超脫了一般創作行為的窠臼。如夢似幻，一大片隨意的揮灑筆觸，幻化成人的肢體，其穿透力、轉折之美，都是超寫實與超現實兩者結合的幻化語言，深具繪畫創作之能事。

△《Pregnant Woman》Sculptor: Ron Mueck, 252 cm high, Pigmented polyester resin on fiberglass, 2002. 作品《孕婦 Pregnant Woman》，是澳洲雕塑家 Ron Mueck (1958 -) 非常傑出的力作，以母親懷胎的造像刻畫「人」的傳承與出處。間接探討「人」的生與死的問題，頗為類似存在主義哲學家卡謬（Albert Camus, 1913－1960）以及沙特（Jean-Paul Sartre, 1905－1980）的思考思維，核心與價值全圍繞著人與群體、與世代關係的意義。 探索人的「生」到「死」，含概所謂幸福指數的高低，存在先於本質，無神論的提出、或者創作者是否須以作品針對當代社會進行表態？這一些，都是雕塑家 Ron Mueck 亟需探究、抽絲剝繭的課題。超寫實的主張，竟然可以蔓延出這種思考的方向，確實值得稱許與肯定。

△《A Season of Moment》Artist: Glennray Tutor, oil on Canvas, 2003. 超寫實主義的作品往往止步於物象表相的描繪，細膩、精確而傳神。傳神之外，能否含概個人的解釋方式？美國畫家 Glennray Tutor (1950－) 的作品《A Season of Moment》，形式上確實止於極端的「即物」，但，主題的取材卻包含了「本土」，也是一種消極的延伸。 試圖從「本土」出發，提昇至外人可以產生「共鳴」。縱或不是創作者的本意，但可以引起外人的共鳴，勘足聊慰。尤其作品精湛的繪畫技法，令人讚嘆震懾，讓人同享他們的記憶和鄉愁，難道不是既直接又頗具隱喻的表現方式？

△《Waiting》Artist: Paul Cadden, pencil on paper. 《等待．Waiting》是蘇格蘭超寫實畫家保羅．卡登 (Paul Cadden, 1964－) 的鉛筆作品，論構圖佈局和繪畫技巧，逼真細膩、神奇的程度叫人難以置信。功力不在用什麼畫筆作畫，而是畫了些什麼？ 視覺上產生的錯覺，讓人誤以為是攝影照片。但是，如果繪畫作品只停滯於照片的表達，那何須還大費周章進行繪畫的繪製？這一點，在超寫實主義繪畫的評論裡曾經引起爭議，確也值得商榷。因此，一般畫作的畫幅相當碩大，克服了景深與透視的瑕疵，終成一格。 從『即物』到『透物』，作品《等待．Waiting》正好給了我們一個可以信服的答案，是延伸的佈局與解釋。等待，是人生一輩子生活中最無奈的緩慢節奏，是一連串永無止境的虛耗。

△《Blue and beige package》Artist: Claudio Bravo, 85,7 x 146,6 cm, Oil on canvas, 1968. 智利畫家克勞迪奧．布拉沃 (Claudio Bravo, 1936–2011) 的作品《藍色及米色包裹．Blue and beige package》，就繪畫技巧而言確實精湛成熟，紙張及繩索質感的描繪，幾乎真偽難辨。不過，不在於何等逼真，重點在於形式背後的主題 —— 人在現代生活時空裡的移情和糾結；訊息的傳遞，情感的易位與轉折，都是量化不來、內心情感的能量。 寓無形的感受於「即物」的表象，穿透物質的外殼，傳達出創作者對於現代時空的看法，Package 是現代的產物，大小通吃，是廣告；Parcel 則是流離的意象，是現代人聊表心意的寄託，都是時空的糾結，內心情感表現的媒介。

△《人群之十一》Artist: 夏 陽, 101.5 × 137 cm, oil on canvas, 1978. 超寫實的畫家群裡，我個人就特別喜歡夏陽 (Hsia, Yan, 1932-) 的系列作品，或許與東方的養成教育有關。內斂克制，我們會試圖探索人與環境的關係；人，在週遭環境裡到底要扮演什麼樣的角色？ 夏陽的作品，給了我們部份的答案。解析與詮釋，作品告訴我們：紐約的街景冷漠冷酷無常無情，人群流動的過往形影，不過是這個時代裡來去匆匆的過客而已。 這種觀察入微的表現方式，在超寫實藝術的創作領域裡，幾乎不曾出現過。

△《Kathy Hague》Artist: John De Andrea, life-size, fiberglass, 1971. 美國雕塑家約翰．安德烈 (John De Andrea, 1941-) 的作品《Kathy Hague》，幾乎與美女的標準比例無關，Kathy 的造型等同於一般世俗的鄰家婦女。美醜存在於視覺延展的判斷，不拘泥於外在形式的描寫。「真」，是現代感的通則表現。 現珍藏於巴黎羅浮宮，1820 年發現的大理石雕像維納斯 (Venus de Milo)，其人身比例的美，簡直達到極限，難能逾越。因此現代的美感，只能從生活的空間裡去作尋求，恐怕也是唯一一途。 有趣的是：這件作品擺設位置的安排 —— 「面壁」，蓬頭亂髮，刻意排除臉部表情的敘述，愈加增添解讀方向的可能性。

意見主題：【◆ 超寫實（Hyperrealism）繪畫與雕塑 ◆】

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